ALAN-B-K UND DIE ARCHITEKTUR DES SOUNDS

Bevor ein Track von Alan-B-K zu hören ist, existiert er häufig schon als Bild. In seinem Kopf entstehen Szenen, Bewegungen und Räume, für die er anschließend eine musikalische Form sucht. Der in Wien lebende Künstler verbindet dafür unterschiedliche Einflüsse mit den Möglichkeiten KI-gestützter Musikproduktion. Im WILD MIC CHECK erzählt er von seinem langen Weg zur eigenen Musik, unerwarteten internationalen Reaktionen und einer Anerkennung, die für ihn mehr bedeutet als jede Platzierung.

🟨 EIN LEBEN MIT MUSIK, LANGE VOR DEM ERSTEN EIGENEN TRACK

Alan-B-K ist Ehemann und Familienvater, und Musik begleitet ihn nach eigener Aussage praktisch sein ganzes Leben. Auf eine einzelne Richtung wollte er sich dabei nie festlegen. Rock’n’Roll, Reggae und elektronische Musik gehörten für ihn selbstverständlich nebeneinander. Ihn beschäftigte vor allem, was Musik mit Menschen macht und welche Gefühle sie auslösen kann.

Besonders prägend wurde die elektronische Musik ab ungefähr 1995. Er erlebte große Raves und die Love Parade und tauchte immer tiefer in House, Techno und Goa ein. Viele Schallplatten aus dieser Zeit besitzt er noch heute. Diese Jahre bilden einen wichtigen Hintergrund für sein Verständnis von Rhythmus, Energie und musikalischer Entwicklung.

Schon damals war Hören für ihn eng mit inneren Bildern verbunden. Wenn er die Augen schloss, entstanden zu einem Track Bewegungen und Räume, beinahe wie in einem Film. Der Wunsch, irgendwann selbst Musik zu machen und zu veröffentlichen, blieb über lange Zeit bestehen. Mit den heutigen Möglichkeiten fand er schließlich einen Zugang, um diese Vorstellungen hörbar zu machen.

🟨 DER ANFANG OHNE INSTRUMENT UND OHNE GROSSEN PLAN

Sein Weg führte nicht über eine klassische Instrumentenausbildung. Alan sagt offen, dass er kein Instrument spielen kann, aber schon lange eine Vorstellung davon hatte, wie sich Musik für ihn anhören und entwickeln soll. In seinem auf den 24. Oktober 2025 datierten Manifest hält er fest, dass er im Mai 2025 begonnen hat, Musik mit KI zu machen. Was aus Neugier und Spaß entstand, nahm mit der Zeit einen immer größeren Platz in seinem Leben ein.

Zunächst probierte er aus, veröffentlichte und lernte dabei. Wenn er heute ältere Tracks hört, erkennt er manches, das er inzwischen anders angehen würde. Trotzdem möchte er diese Anfänge nicht verstecken oder nachträglich aus seiner Geschichte entfernen. Sie zeigen, wo er stand und wie sich seine Arbeit seitdem verändert hat.

Anfangs entstand fast alles allein, neben Beruf, Alltag und Familie. Oft arbeitete er spät am Abend weiter, veränderte ein Element, ergänzte ein anderes und machte aus einer Version mehrere neue Versuche. Aus einem kurzen Ausprobieren konnte dabei eine ganze Nacht werden. Einen großen Plan hatte er nicht, doch die ersten Reaktionen machten ihm bewusst, dass auf der anderen Seite tatsächlich Menschen zuhörten.

🟨 DEEP HOUSE ALS BASIS, OFFENE GRENZEN ALS ARBEITSWEISE

Ein einziges Genre reicht Alan für die Beschreibung seiner Musik nicht aus. Deep House ist heute eine wichtige Grundlage, kann sich bei ihm aber mit Jazz, Tech House, klassischem House, Goa, Funk, Latin oder Reggae verbinden. Er interessiert sich dafür, unterschiedliche musikalische Welten miteinander in Beziehung zu setzen. Hybridisierung ist deshalb ein Begriff, der seinem Selbstverständnis näherkommt als eine feste Schublade.

Diese Entwicklung begann bereits mit früheren Reggae- und Storytelling-Projekten wie „Compass of Reggae“ und „Reggae Worldwide“. Bei „Africa Rise“ verbanden sich Roots- und Reggae-Einflüsse zunehmend mit Deep House, Tech House, Trance oder Goa. Daraus entwickelte sich sein Hybrid-Fusion-Ansatz. Die entscheidende Frage lautet für ihn heute, ob ein Element zu einem Track und zu dem passt, was er damit ausdrücken möchte.

🟨 24 WEIHNACHTSSONGS ÜBER SEHR UNTERSCHIEDLICHE LEBEN

Eine besondere Stellung in dieser Entwicklung nimmt „Joy & Truth“ mit dem Zusatztitel „The 24 Days of Christmas“ ein. Das Projekt sollte ausdrücklich kein typisches Weihnachtsalbum werden. Seine 24 Songs erzählen unterschiedliche menschliche Geschichten und beschäftigen sich mit Hoffnung, Krieg, Armut, Verlust und Zusammenhalt. Im Mittelpunkt steht dabei auch, wie verschieden Menschen dieselbe Zeit des Jahres erleben können.

Für Alan gehört dieses Projekt zu seinem erzählerischen Zugang zur Musik. Die Weihnachtszeit bildet einen gemeinsamen Rahmen für Erfahrungen, die keineswegs für alle Menschen gleich aussehen. Seine Beschäftigung mit Geschichten ging anschließend mit einer stärkeren Verbindung unterschiedlicher musikalischer Einflüsse einher. Der spätere Hybrid-Fusion-Ansatz entstand damit aus einer Entwicklung, zu der sowohl Themen als auch Klangvorstellungen gehören.

🟨 ARCHITECTURE IN MOTION: WIE EIN TRACK ZUM RAUM WIRD

Mit „Architecture in Motion“ beschreibt Alan eine weitere Ebene seiner Arbeitsweise. Er denkt einen Track teilweise wie ein Gebäude und fragt sich, wo Druck entsteht, wo sich etwas öffnet und welche Ebene das Ganze trägt. Ebenso wichtig ist, was herausgenommen werden muss, damit ein anderes Element wirken kann. Bewegung und Reduktion sind für ihn Entscheidungen darüber, wie sich ein Stück anfühlt.

Die Räume, die er dabei baut, bestehen aus Rhythmus, Klang, Spannung, Energie und Bewegung. Dieses Bild erklärt für ihn genauer als eine Genrebezeichnung, was er beim Produzieren eigentlich tut. Es verbindet sein visuelles Musikerleben mit konkreten Entscheidungen über den Aufbau eines Tracks. Die Vorstellung im Kopf bekommt durch das Zusammenspiel der einzelnen Ebenen eine hörbare Form.

Schon in seinem Manifest „Die neue Architektur des Sounds“ beschäftigt er sich mit Atmosphäre, Wahrnehmung und der Bedeutung einzelner Klänge. Einen Prompt versteht er darin als Konzept, das Struktur, Emotion, Zeit, Rhythmus, Geschichte und die Stille dazwischen zusammenführt. Tech House, Afro-Percussion, Funk, Goa Trance und Blues gehören zu den musikalischen Verbindungen, die er dort beschreibt. Dass solche Verbindungen tragen, ist für ihn das Ergebnis von Monaten des Hörens, Testens und Scheiterns.

🟨 EIN BILD, EIN BEAT ODER EIN GEDANKE KÖNNEN DER ANFANG SEIN

Einen festen Startpunkt gibt es bei Alan nicht. Ein Track kann mit einem Beat, einem Text, einem Gedanken, einer Stimmung oder einem Bild beginnen. Häufig sieht er zuerst eine Szene oder einen Film vor seinem inneren Auge und versucht, die dazugehörige Atmosphäre musikalisch umzusetzen. Sein Vorgehen ist intuitiv und richtet sich nach dem jeweiligen Stück.

Der erste Versuch ist selten das Endergebnis. Alan verändert, nimmt heraus, fügt hinzu und konstruiert Teile neu, wobei er unterschiedliche Versionen ausprobiert. Funktioniert ein Ergebnis noch nicht, verwirft er deshalb nicht automatisch die gesamte Idee, sondern sucht nach dem Punkt, der noch nicht stimmt. So kann ein Track über mehrere Tage wachsen, bis er sich für ihn richtig anfühlt. Entscheidend ist dabei sein Gefühl, sich selbst darin wiederzuerkennen, auch wenn das Ergebnis nicht perfekt ist.

🟨 GESCHICHTEN ERZÄHLEN, OHNE ALLES VON SICH PREISZUGEBEN

Eigene Gedanken, Gefühle und Erfahrungen fließen in seine Musik ein. Das bedeutet für Alan allerdings nicht, dass jeder Song autobiografisch ist oder sein gesamtes Privatleben öffentlich werden soll. Musik kann für ihn Geschichten erzählen, ohne jede Einzelheit einer Person offenzulegen. Diese Grenze zwischen persönlichem Ausdruck und Privatleben möchte er bewahren.

Gleichzeitig interessiert ihn, was andere Menschen in einem Track entdecken. Die Geschichte eines Hörers kann sich deutlich von der Szene unterscheiden, die Alan beim Entstehen im Kopf hatte. Wenn jemand eine vertraute Empfindung wiedererkennt oder eine Stimmung zur eigenen Situation passt, hat die Musik für ihn bereits etwas erreicht. Einen einzigen Song zum wichtigsten erklären möchte er deshalb nicht, weil mehrere Stücke mehrere Geschichten tragen.

🟨 ZWEIFEL GAB ES, BESONDERS WEGEN DER KI

Zu seinem Weg gehörten auch Skepsis und Zweifel. Gerade bei KI-gestützter Musik begegnete ihm die Vorstellung, das könne keine richtige Musik sein, keine Emotion enthalten oder ohnehin zu nichts führen. Alan musste für sich entscheiden, wie er mit solchen Urteilen umgehen möchte. Er kam zu dem Schluss, seinen eigenen Weg trotzdem weiterzugehen.

Die Frage, ob aus dem anfänglichen Ausprobieren mehr werden könnte, beantwortete sich für ihn schrittweise durch konkrete Reaktionen. Rückmeldungen von Hörern, Kuratoren und Radios machten sichtbar, dass seine Veröffentlichungen außerhalb des eigenen Arbeitsalltags ankamen. Dabei waren für ihn keineswegs nur positive Stimmen hilfreich. Auch Absagen und Kritik wurden zu einem Teil seiner Entwicklung.

🟨 SOUNDCLOUD UND DIE ERFAHRUNG, ÜBER GRENZEN HINWEG GEHÖRT ZU WERDEN

Ein erster großer Wendepunkt war SoundCloud. Als Alan Ende Oktober 2025 begann, dort verstärkt Musik hochzuladen, entwickelte sich nach seiner Schilderung eine Resonanz, mit der er nicht gerechnet hatte. Innerhalb von ungefähr acht Wochen kamen mehr als 180.000 Wiedergaben aus über 50 Ländern zusammen. Später wurde seine Musik nach seinen Angaben in mehr als 85 Ländern gehört.

Diese Erfahrung passt zu einer Überzeugung, die sich durch seine Antworten zieht: Musik braucht keine gemeinsame Sprache. Auch wer einen Text nicht versteht, kann Energie, Traurigkeit, Freude oder Spannung wahrnehmen. Dass Musik Menschen über große Entfernungen hinweg erreicht, gehört für ihn zu ihrer besonderen Wirkung. Die internationalen Reaktionen machten diese Verbindung für ihn am eigenen Projekt erfahrbar.

🟨 GROOVER: ZUSAGEN, ABSAGEN UND EIN FEEDBACK, DAS BLIEB

Nach SoundCloud wurde Groover zu einem wichtigen Teil seines Weges. Dort erhielt Alan Zusagen, aber auch Absagen und konkrete Hinweise darauf, was aus Sicht anderer noch nicht funktionierte. Gerade diese Mischung war für ihn wertvoll. Inzwischen kamen dort laut seinen Angaben mehr als 200 bestätigte Supports, Teilungen und Platzierungen über Playlists, Radio, Artikel, Social Media und DJ-Support zusammen.

Besonders in Erinnerung geblieben ist ihm das Feedback von Galestian. Alan verweist auf dessen langjährige Arbeit als DJ und Produzent, auf Global Entry Radio und das Label Global Entry Recordings sowie auf dessen stimmberechtigte Mitgliedschaft in der Recording Academy. Vor diesem Hintergrund hatte die Rückmeldung für ihn besonderes Gewicht. Galestian benannte dabei auch deutlich, wo er noch Schwächen und Verbesserungsmöglichkeiten sah.

Zu einem seiner Tracks habe Galestian ihm später sinngemäß geschrieben, er solle weiter an dem arbeiten, was er aufbaue, weil darin etwas wirklich Besonderes stecke. Alan gibt diese Aussage ausdrücklich sinngemäß wieder. Ihre Bedeutung lag für ihn gerade darin, dass derselbe Mensch zuvor auch Kritik geäußert hatte. Die Ermutigung war deshalb eng mit einer ernsthaften Auseinandersetzung mit seiner Musik verbunden.

🟨 BREAKING SOUND RADIO UND DREI MONATE ARTIST SPOTLIGHT

Ein weiterer großer Schritt entstand durch Breaking Sound Radio in Los Angeles. Auch dieser Kontakt kam über Groover zustande, und Alan war von Beginn an offen mit dem KI-Anteil seiner Arbeit. Nach seiner Schilderung erklärte der Sender ausdrücklich, KI gegenüber positiv eingestellt zu sein, wenn sie sinnvoll eingesetzt werde. Für ihn war diese Offenheit eine wichtige Grundlage des Kontakts.

Alan fragte nach, weshalb die Auswahl auf ihn gefallen war. Das Team habe erklärt, wöchentlich Tausende Songs durchzugehen und dabei zu bemerken, wenn jemand vom Üblichen abweiche. Seine Musik habe man in dieser Gruppe gesehen. Daraus entstand die Einladung zu einem ON-AIR Artist Spotlight, das im Februar 2026 begann und über drei Monate lief.

Für Alan war das einer der deutlichsten Momente, in denen das Projekt über das ursprüngliche Experiment hinausgewachsen war. Weitere Radio-Supports kamen nach seinen Angaben aus den USA, Frankreich, Spanien und Südafrika hinzu. Auch Ibiza Sonica zählt er zu den Sendern, die seine Musik unterstützten. Aus einzelnen Veröffentlichungen entwickelten sich damit Kontakte und Möglichkeiten, die zu Beginn nicht absehbar gewesen waren.

🟨 BODY LOOP UND EIN ZWEITER PLATZ, VON DEM ER LANGE NICHTS WUSSTE

Eine andere Geschichte verbindet Alan mit der „Sink or Swim Show“ auf The Shore 93.5 FM in Atlantic City. „Body Loop“ war bereits in der Premieren-Ausgabe dabei und erreichte nach seinen Angaben beim Publikums-Voting den zweiten Platz. Wie gut der Song abgeschnitten hatte, erfuhr er allerdings erst Monate später. Das Ergebnis war für ihn deshalb auch eine nachträgliche Überraschung.

Diese Erfahrung zeigte ihm, wie begrenzt der eigene Überblick über den Weg einer Veröffentlichung sein kann. Er kann einen Track fertigstellen und herausbringen, erfährt aber nicht zwangsläufig sofort von allem, was anschließend damit geschieht. Ein Song kann Menschen erreichen und Reaktionen auslösen, während sein Urheber längst an etwas anderem arbeitet. Die Geschichte von „Body Loop“ ist für ihn ein besonders anschauliches Beispiel dafür.

🟨 VERÖFFENTLICHUNGEN ALS SICHTBARE ENTWICKLUNG

Alan betrachtet seine Veröffentlichungen als Stationen seines musikalischen Weges. Einige Songs erhielten mehr Reichweite, andere weniger, manche wurden von Radios gespielt und andere durch Playlists unterstützt. Daraus möchte er keinen Wettbewerb zwischen den eigenen Stücken machen. Jede Veröffentlichung hält einen bestimmten Stand seiner Entwicklung fest.

Inzwischen veröffentlicht er nach eigener Aussage weiterhin einen großen Teil seiner Musik selbst. Im Laufe von 2026 kamen außerdem Veröffentlichungen über SMOPP Records aus Köln und Kiss the Lake aus der Schweiz hinzu. Auch mit dieser Entwicklung hatte er am Anfang nicht gerechnet. Die Zusammenarbeit mit Labels ist für ihn ein weiterer Schritt, während seine unabhängigen Veröffentlichungen genauso wichtig bleiben.

🟨 WAS DIE ZAHLEN ZEIGEN UND WAS SIE FÜR IHN BEDEUTEN

Über Reichweite, Radioeinsätze, Playlists und Platzierungen freut sich Alan selbstverständlich. Nach seinen eigenen Plattformstatistiken summieren sich die Wiedergaben seit dem Start inzwischen auf knapp 850.000. „This Is the Moment“ erreichte auf YouTube nach seiner Auskunft innerhalb weniger Monate ungefähr 45.000 Aufrufe. Für ihn zeigen solche Werte zunächst, dass seine Musik wahrgenommen wird.

Mehrere Veröffentlichungen tauchten laut Alan auch in den Groover Charts auf. „Calm Down“ erreichte dort Platz 1 im DACH-Ranking und Platz 11 bei den globalen Dance/Electronic-Tracks. Die gemeinsame Veröffentlichung „Hypnotized“ mit Chris Kleiner kam auf Platz 3 im DACH-Ranking und Platz 12 global. Für „Side to Side“ nennt er Platz 32 im DACH-Ranking.

Zu den weiteren in den Groover Charts vertretenen Titeln zählt er unter anderem „Safe Zone“, „Electric Voltage“, „Dancing Fever“ und „Body Loop“. Er versteht solche Platzierungen nicht als Beleg dafür, dass ein Song automatisch besser als ein anderer ist. Sie sind für ihn Rückmeldungen über Aufmerksamkeit und Resonanz. Seine eigenen Veröffentlichungen bewertet er deshalb weiterhin im Zusammenhang mit ihrer Entstehung und Entwicklung.

🟨 INTERNATIONALE BEITRÄGE ÜBER SEINE MUSIK

Das für WILD zusammengestellte Zusatzmaterial enthält außerdem Verweise auf internationale Pressebeiträge. Dazu gehören ein kolumbianischer Artikel von NovaSounds über „Safe Zone“ aus dem Februar 2026 und ein US-Beitrag über „Locked in Motion“ vom 13. Februar 2026. Das Kindline Magazine aus New York veröffentlichte am 3. März 2026 einen Beitrag über „Calm Down“. Weitere von Alan verlinkte Artikel widmeten sich „Don’t Give Up“, darunter bei Kindline am 31. August und in einem weiteren US-Medium am 12. September 2026.

Hinzu kommen ein von ihm als Feature aus Osaka eingeordneter Instagram-Beitrag und Social-Media-Material zur Premieren-Ausgabe der „Sink or Swim Show“. Diese Unterlagen ergänzen seine Antworten um konkrete Verweise auf Veröffentlichungen und öffentliche Beiträge. Im MIC CHECK bleibt für Alan dabei die Entwicklung hinter diesen Stationen entscheidend. Reichweite und Unterstützung stehen für ihn neben den Erfahrungen, die er während der Arbeit an seiner Musik gesammelt hat.

🟨 EINFLÜSSE VON DER RAVEKULTUR BIS ELVIS PRESLEY

Zu seinen prägenden Einflüssen aus der elektronischen Musik zählt Alan Paul van Dyk, Tiësto, Armin van Buuren und Carl Cox. Gleichzeitig nennt er Michael Jackson und Elvis Presley als Künstler, deren Musik ihn über viele Jahre begleitet hat. Diese Mischung passt zu einem Hörer, der nie ausschließlich in einer Richtung unterwegs war. Die verschiedenen Einflüsse hinterließen Spuren darin, wie er Rhythmus, Energie, Melodie und Aufbau wahrnimmt.

Einen dieser Künstler kopieren möchte er nicht. Er beschreibt vielmehr, wie sich langjähriges Hören im eigenen musikalischen Verständnis niederschlägt. Welche Elemente daraus in einen Track einfließen, entscheidet sich an dessen Idee und Wirkung. Seine Offenheit für unterschiedliche Richtungen gehört deshalb sowohl zu seiner Geschichte als Hörer als auch zu seiner heutigen Arbeitsweise.

🟨 KI ALS WERKZEUG MIT EINER KLAREN MENSCHLICHEN RICHTUNG

KI ist ein wichtiger Bestandteil von Alans Produktion, und unter anderem Suno gehört zu seinen Werkzeugen. Er beschreibt seine Musik als Hybrid-Arbeit zwischen Mensch und KI. Ideen, Geschichten, Texte, Emotionen, Strukturen und die künstlerische Richtung kommen nach seiner Darstellung von ihm. Die Technik hilft ihm dabei, diese Vorstellungen umzusetzen.

Kreative Arbeit bedeutet für ihn, zuzuhören, Ergebnisse zu bewerten und sie weiterzuentwickeln. Zwei Begriffe einzugeben und anschließend einfach ein Resultat zu übernehmen, beschreibt seinen Anspruch nicht. Die KI hat seine Erfahrungen nicht gemacht, empfindet seine Gefühle nicht und sieht den Film nicht, den er im Kopf hat. Was zu diesem Film passt und was verändert werden muss, entscheidet er selbst.

Sein Manifest beschreibt die Verbindung von Mensch und KI als einen Prozess, in dem sich kreative Vorstellungen und technische Möglichkeiten gegenseitig beeinflussen. Darin beschäftigt er sich mit der Frage, wie aus menschlicher Erfahrung, Emotion und Offenheit zusammen mit den Möglichkeiten der Technik eine eigene musikalische Identität entstehen kann. Im MIC CHECK benennt er die Rollenverteilung zugleich klar: Er bedient das Werkzeug. Die Emotion verortet er bei dem Menschen, der damit etwas ausdrücken möchte.

🟨 OFFENHEIT GEHÖRT ZUM PROJEKT

Den KI-Anteil hat Alan nach eigener Aussage nie versteckt. Dafür steht auch seine Bezeichnung „Alan-B-K · human ai art of sound“. Die Verbindung von menschlicher Gestaltung und KI gehört zu seinem Projekt und wird von ihm entsprechend benannt. Transparenz ist für ihn ein fester Bestandteil dieser Arbeit.

Wer KI in der Musik grundsätzlich ablehnt, muss durch ihn nicht überzeugt werden. Alan räumt anderen ihre eigene Haltung dazu ein und möchte seinen Weg trotzdem weitergehen. Seine Antworten konzentrieren sich darauf, welche Entscheidungen er selbst trifft und was er mit seiner Musik ausdrücken will. Die Auseinandersetzung mit dem Werkzeug bleibt damit Teil seiner künstlerischen Arbeit.

🟨 CHRIS KLEINER, JOHNNY NOVARO UND DER WERT VON ZUSAMMENARBEIT

Aus der anfänglichen Ein-Mann-Arbeit entwickelte sich mit der Zeit ein Umfeld aus Austausch, gemeinsamen Projekten und teilweise auch Freundschaften. Zwei Menschen, mit denen Alan besonders viel zusammenarbeitet, sind Chris Kleiner und Johnny Novaro. Für ihn muss bei einer Zusammenarbeit sowohl der Sound als auch der Mensch passen. Zwei Namen auf einer Veröffentlichung reichen ihm als Grundlage nicht aus.

Manchmal hört er etwas von jemandem und sieht sofort mögliche gemeinsame Szenen vor sich. Dann fragt er sich, wo sein eigener Sound hineinpassen könnte und welche Verbindung sich daraus entwickeln ließe. Ebenso wichtig sind ihm ein ehrlicher Umgang, die Bereitschaft zuzuhören und Respekt vor der Arbeit des anderen. Musikalische Ideen und persönliches Vertrauen gehören für ihn zusammen.

Durch solche Kooperationen hat er gelernt, dass er nicht alles allein machen muss. Er kann von anderen lernen, sich inspirieren lassen und dabei seine eigene Handschrift behalten. Die Community wurde für ihn so zu einem Teil seiner Entwicklung als Künstler.

🟨 DER MENSCH HINTER ALAN-B-K BLEIBT SICH SELBST VERPFLICHTET

Alan zeigt sich nach außen nicht besonders gern. Diesen MIC CHECK betrachtet er deshalb selbst als einen Moment, in dem er etwas mehr aus dem Hintergrund tritt. Eine Rolle spielen oder ein künstliches Image aufbauen möchte er dabei nicht. Hinter dem Künstlernamen steht für ihn derselbe Ehemann und Vater, der seinen normalen Alltag hat und seit Langem mit Musik lebt.

Gerade am Anfang investierte er sehr viel Zeit in das Projekt, manchmal nach eigener Einschätzung auch zu viel. Die Balance zwischen Musik und dem übrigen Leben musste er erst lernen. Heute benennt er seine Priorität unmissverständlich: Seine Frau und seine Tochter sind sein Rückhalt und sein Anker. Musik bedeutet ihm viel, aber seine Familie steht darüber.

🟨 EIN SONNTAGMORGEN, DER ALLES ANDERE KLEIN WERDEN LIESS

Wenn Alan auf die Anfangszeit zurückblickt, überrascht ihn vor allem, was sich aus dem Projekt entwickelt hat. Sein persönlich stärkster Moment ist jedoch eine Erinnerung vom gemeinsamen Frühstück mit seiner Frau und seiner Tochter. An einem Sonntagmorgen lief bei Breaking Sound Radio sein eigener Track, und der Moderator nannte Alan-B-K. Seine Tochter sagte zu ihm: „Ich bin stolz auf dich.“

Für ihn war das wahrscheinlich die größte Anerkennung für die gesamte Arbeit. Die Bedeutung dieses Moments lag darin, wer diesen Satz sagte und dass seine Familie die Musik in diesem Augenblick gemeinsam mit ihm erlebte. Zahlen und Platzierungen waren plötzlich unwichtig. Aus einer Tätigkeit, in die über viele Abende so viel Zeit geflossen war, wurde eine Erinnerung mit den Menschen, die ihm am meisten bedeuten.

🟨 WEITERMACHEN, OHNE SICH ERFOLG ZU VERSPRECHEN

Eine Haltung, die Alan durch seinen Weg begleitet, steckt für ihn auch in „Don’t Give Up“. Er möchte an etwas festhalten, wenn es ihm wirklich wichtig ist, und diese Überzeugung auch seiner Tochter mitgeben. Dabei behauptet er nicht, dass alles funktioniert, wenn man nur fest genug daran glaubt. Harte Arbeit garantiert für ihn keinen Erfolg, und Kritik, Rückschläge sowie eigene Zweifel gehören dazu.

Man darf sich Hilfe holen, lernen und Fehler machen. Entscheidend bleibt für Alan die persönliche Frage, ob der eigene Weg wichtig genug ist, um ihn weiterzugehen. Er kann Musik machen, daran arbeiten und sie veröffentlichen, aber nicht bestimmen, wer sie hört oder mag. Auch wohin ein Song irgendwann gelangt, liegt nur begrenzt in seiner Hand.

🟨 DIE ZUKUNFT DARF OFFENBLEIBEN

Wo Alan-B-K in drei Jahren stehen wird, weiß er nicht. Vieles, das bereits in der ersten Phase des Projekts passierte, hätte er vorher ohnehin nicht planen können. Deshalb möchte er sich kein künstliches Ziel setzen, das unbedingt erreicht werden muss. Er will weiter Musik machen, sich entwickeln, unterschiedliche Einflüsse verbinden und mit Menschen zusammenarbeiten, wenn es passt. Geschichten erzählen und Menschen erreichen möchte er noch lange, während sich der weitere Weg aus dieser Arbeit ergeben darf.